4月のニューヨークのギャラリーの見どころ

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街で新しいアートを見てみませんか? トライベッカではヘレンルンデバーグのブレースキャンバスとエリンジェーンネルソンのバイオモルフィックセラミックス、クイーンズではサラパーマーのフォトモンタージュをご覧ください。

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ホランド・コッター、ジョン・ヴィンクラー、トラヴィス・ディール、マックス・レイキン、ブレイク・ゴプニク、セフ・ロドニー、マーサ・シュウェンデナー著

トライベッカ

5 月 6 日まで。ボートラミ、マンハッタン、ウォーカーストリート 55 番地。 212-727-2050; ボルトラミギャラリー.com。

1930年代、アンジェレノのモダニスト、ヘレン・ルンデバーグは、ヨーロッパ版の奇妙なイメージを和らげることを目的としたアメリカの分派運動であるポスト・シュルレアリスムと呼ばれるスタイルを推進した（しかし、それほどではなかった。彼女の初期の取り組みの1つは、しおれた釘をレンチで引き抜くことを含んでいた）深紅のプール）。対照的に、ここにある10枚のブレイシングキャンバスは、ルンデバーグが南カリフォルニアのWPA壁画家として同時期に作成した作品の緊張感とより多くの共通点を持っています。つまり、国内ゾーンの輪郭を描く豪華な色でレンダリングされた硬質な幾何学的な抽象化です。しかし、ルンデバーグの空間に対する感覚は完全に厳格ではなく、シュルレアリスムの心理地理学が隅々に取り憑く余地を残していました。

1952 年から 1975 年の間に作られたもので、ここでのセレクションは、影、平坦性、深さの謎めいた相互作用を実現するために、スペクトルを上下に調整した垂直色の帯、柔らかいトーンに焦点を当てています。これは、古典主義と非論理的な次元を衝突させる、奇妙な空間認識の感覚です。デ・キリコ、彼の誰もいないアーケードはロサンゼルスのセピア色のスモッグ光で射抜かれた。

ルンデバーグの均一なフィールドが破壊されると、それは魅惑的な効果をもたらします。「鏡とピンクの貝殻」と呼ばれる同じアレンジメントの 2 つのバージョンのように、三次元の静物画によって中断されます。 1952 年に制作された初期の絵画は毛羽立っているように見え、その筆致は判読可能であるが、同じ年に開始されたが 1969 年まで完成しなかった後のバージョンは、焦点が固まり、その領域が滑らかになり、拡大されている。シンプルな椅子、裸電球を反射する鏡などのこのヴィネットは、ルンデバーグが 30 年以上戻ってきた場所であり、彼女の人生の輪郭が形而上学的な面に蒸留されています。マックス・レイキン

トライベッカ

5 月 6 日まで。ニューヨーク州、マンハッタン、ウォーカーストリート 60 番地。 646-850-7486、chapter-ny.com。

エリン・ジェーン・ネルソンの陶器は不思議なことに生きているように見えます。認識できる生き物としてではなく、生物形態、おそらく微生物が目に見える大きさにまで膨らんだものとして見えます。壁に取り付けられた彼らは、不規則で曲線的な形状と短くて細い触手を持っています。彼らはほとんどの場合、ペアまたはより大きなグループで固まっており、あたかもそれぞれが自分の存在を他のものに依存しているかのように見えます。

2021年のニュー・ミュージアム・トリエンナーレへのネルソンの寄稿作品など、これらの作品を以前に見たことがあれば、彼女の現在の展覧会「Sublunary」がオケフェノキー沼からインスピレーションを得たものであることは驚くべきことではないかもしれません。アトランタを拠点に活動し、キュレーター兼ライターでもあるこのアーティストの作品には、意図的な曖昧さがある。ネルソンの作品がどちらか一方であることはほとんどありませんが、その中間で成功するハイブリッドです。

「Sublunary」では、ネルソンがオケフェノキーを複数回訪問した際に行った個人的なパフォーマンスの成果が展示されています。写真をあしらったキルトシルクもあります。 365 個の釉をかけた石器の塚のセットは、総称して「クロノマイクロバイオーム」（2023 年）と名付けられており、ある種の儀式化された抽象的なカレンダーと、今でも最も興味をそそられる壁に貼られた陶器を表している可能性があります。それらには縁があり、水のような樹脂の透明な層で覆われているため、それらを見ていると、一連の浅いプールを覗いていることを思い出します。

中には何が入っているのでしょうか？彫刻された小さな丘、花、菌類。色とりどりの模様。そして実際の写真、時にはネルソンの写真も。もしこれらの複雑な芸術作品が生きていたとしたら、私はそれらが泳いだりスリンクしたりする雑食動物として想像し、進むにつれて沼地やネルソンの経験の痕跡を蓄積していくことでしょう。ジリアン・スタインハウアー

ソーホー

5 月 13 日まで。Ulterior、424 Broadway、#601、マンハッタン。 917-472-7784; インテリアギャラリー.com。

メイミー・ティンクラーのような水彩画を見たことがありません。 Ulterior Galleryでの彼女の2回目の個展である「A Troubling」の静物画には、密集した模様の織物、珍しい色の羽、鏡、頭蓋骨、奇妙な岩、ガラス球、そしてパチパチとはじける炎が描かれています。これらすべてが、気づかないうちに飽和した色の斑点に影を落とし、時には絵の続きとして、たとえば赤いベルベットの背景や深い黒い影として、また時には抽象化への緩みとして読み取られます。正確にレンダリングされたディテールとペイントの自然な柔らかさのエッジの間のコントラストは微妙ですが、それは緊張感、さらには苦悩のアンダートーンとして記録されます。あたかもティンクラーが自分自身に対して自分の媒体を使用しているかのようです。

この緊張感は、多くの古い確信が溶けていく瞬間に非常によく似ていると感じました。科学、ジャーナリズム、北極の棚氷、リベラル民主主義など、以前は堅実に見えていたものが、過ぎ去った幻影のように見え始めています。しかし、それは認識と認識についても述べています。番組のタイトル作品では、青い天球儀の上の小枝に金色のフィンチが止まります。その上とその横に、反射またはおそらく見慣れたものとして、さらに 2 羽のフィンチがさらに 2 つの球体の上に止まっており、そのハイライトは塗装されていない白い紙の大小の円で示されています。目の前にある「本物の」小枝は、ビジョンか夢のように、ゆるくて曖昧です。それが落とす影はカミソリの刃のように鮮明です。ウィル・ハインリヒ

クイーンズ

5 月 6 日まで。夫人、60-40 56th Drive、Maspeth、Queens。 347-841-6149、mrsgallery.com。

写真は、2000 年代のイメージプロデューサーへの道を順調に進んでいたが、その後、スマートフォンが登場した。今、私たちには画像が氾濫しており、アーティストは泥沼をかき分けてアーキビストのように働かなければなりません。ブルックリンを拠点とするアーティスト、サラパーマーは、古いカタログ、ニューヨーク公共図書館のアーカイブ、eBay で購入したスライド、および AI で生成された画像からの画像を使用して、フォトモンタージュを作成します。好奇心旺盛で不気味な結果は、ミセス・ジョンソンの「The Delirious Sun」で公開されています。

リサイクルと再利用は本質的に作品の主題であり、画像の断片がごちゃ混ぜに並べられていることからすぐに明らかです。しかし、パーマーは、女性の身体が写真でどのように表現されるかなど、線を通していくつかのことをほのめかしています。「Age of Earth and Us All Chaattering」（2022 年）では、不気味なオレンジ色に染まった集合体が、ビンテージのボンデージカタログから切り取られた写真と、AI で表現された弾むようなブロンドの横に置かれています。ボンデージ雑誌の画像は、パーマーが撮影したアメリカ西部の風景写真にホットピンクのテープで貼り付けられ、再撮影されたもの。「Under the Tangled Forest」（2023）は、人間の髪、テープ、リボンを視覚的に韻を踏んでいます。他の作品には、女性の胴体の彫刻や、アーティストの妊娠中の腹部のクローズアップが含まれています。

パーマーは、画像がいつ、何を、なぜ制作されたのかを伝える写真のコードを解読します。これは AI も行うことです。しかし、パーマーは、自分の身体をイメージの中に入れることによって、再び機械が引き継いでいるように見える瞬間であっても、写真を作り、制作し、熟考することは、依然として深く人間的で身体化された事業であることを私たちに思い出させてくれます。マルタ・シュヴェンデナー

ウェストビレッジ

4 月 29 日まで。The Kitchen at Westbeth、163 Bank Street、4 階ロフト、マンハッタン。キッチン.org。

1970 年代初頭のニューヨークのダウンタウンの前衛芸術の新鮮で実験的で今を感じさせる雰囲気を展覧会で再現するのは困難です。しかし、この 4 人のアーティストによるショーではそれがわかります。市内最古のオルタナティブスペースのひとつ（1971年設立）であるキッチンが主催し、ウェストビレッジにある芸術家向け集合住宅ウェストベスにあるロフトのような窓だらけのギャラリーに設置されたこのショーは、2つの要素を呼び起こしたものである。キッチン「コンサート」は 1972 年 12 月と 1973 年 4 月に開催されました。当時の最も興味深い作品の多くと同様に、このイベントはビデオとパフォーマンスを組み合わせた学際的なものでした。もっと根本的には、それらは私たちが現在アイデンティティ政治と呼んでいるものによって形作られました。

オリジナルのプログラムのタイトル「赤、白、黄、黒」は、協力アーティストの人種的および民族的背景に言及しました。久保田茂子（1937-2015）は日本生まれ。白人のアメリカ人メアリー・ルシアー。ネイティブアメリカンのセシリア・サンドバル。そしてアフリカ系アメリカ人のシャーロット・ウォーレン・ヒューイ。この 2 回の作品の多くは、流動的で軽いタッチの方法でこれらのアイデンティティに言及していましたが、フェミニズムがまだ人種的境界に沿って分裂していた当時、本当に画期的だったのはアーティストのコラボレーションという単純な事実でした。

必然的に今回の展示も軽いタッチになっている。いくつかのインスタレーションは愛情を込めて再現されていますが、ここにあるもののほとんどは、展覧会のポスター、テキストの再版、4人のアーティストの間で交換された手紙など、一時的なものです。手紙は素晴らしく、当時の芸術がいかに共同的で、社交的で、場当たり的で、堂々と市場価値のないものだったのかを思い出させます。プロジェクト終了後、参加者4名はそれぞれ異なる方向性をとりました。クボタとルシアーは芸術活動を続けた。サンドヴァルは看護師になった。ウォーレン・ヒューイは教職に就いた。しかし、キッチンでは、彼らの束の間の明晰な団結が明るく燃え上がります。ホーランドコッター

アッパーイーストサイド

4 月 29 日まで。ハンターカレッジアートギャラリーのバータアンドカールロイブスドルフギャラリー、マンハッタン、イースト 68 ストリート 132。 212-772-4991、leubsdorfgallery.org。

王志千（ワン・チーチェン、CC Wang、1907～2003）は、14 歳のときに中国で絵を描き始めましたが、1949 年に移住したニューヨークという、まったく異なる雰囲気の中で成長しました。王は稀有な芸術家でした。伝統的な中国芸術と急進的なモダニズムの両方に精通している。彼は中国の巨匠の絵を模倣し、書道の練習をしていましたが、1949 年から 1974 年まで美術学生同盟のクラスを受講し、セザンヌ、マティス、ジョルジュブラックの作品を学びました。ベルタ・アンド・カール・ロイブスドルフ・ギャラリーの「抽象化の線」で展示されている彼の作品に現れたのは、東洋と西洋、古代と現代の並外れた融合でした。

いくつかの掛け軸は、王蒙、董其昌、倪三などの中国の風景画家を模倣または模倣しています。マーク・ロスコの古い馬車小屋のスタジオを含む街並みは、ワンがキュビスムの影響を吸収していることを示しています。優れたモダニストのように、模倣して学ぶことに加えて（中国の巨匠は、美的政治的提携を強固にするために、これを明示的に行っていました）、風景の地質的質感を強調するために繊維質の紙を使用し、顔料として牛の血を使用し、あるいは、丸めたライスペーパーにインクを付けて絵の表面を軽くたたきました。

王さんの書道も変化した。当初、彼は古典的なテキストを忠実に引用しました。その後、「抽象カリグラフィー」の巻物には、テキスト、画像、グラフィックデザインの間の境界線が曖昧になる、膨大な文字が詰め込まれています。王氏は、20 世紀の古い遺物である電話帳を書道の練習にも使用しました。名前と数字の直線的な列の上での彼のブラシストロークのダンスは、伝統的な技術と日常的なニューヨークの完璧な融合を形成しました。マルタ・シュヴェンデナー

チェルシー

5 月 6 日まで。テンプロン、293 10th Avenue、マンハッタン。 212-922-3745; テンプロン.com。

1990 年代から 2000 年代初頭にかけて、マイケル・レイ・チャールズの絵画は、遍在する人種差別的なイメージ、つまりサンボやママの人物のグロテスクな顔と真っ赤な笑みを神経質に流用して、南北戦争前のミンストレルの醜い歴史を掘り起こしましたが、必ずしも高く評価されたわけではありません。彼は、多くの人が埋葬されたままでいることを望んでいたであろうにもかかわらず、痛ましい固定観念を永続させたとして非難された。過去 20 年間、彼は主にヨーロッパで散発的にショーを行ってきました。

それ以来、チャールズが初めてニューヨークで開催した展覧会の写真には、アーティストが依然としてその過去を表面化させていることがわかりますが、表面はより滑らかになっています。ミンストレルのパフォーマンスや広告の屈辱的な描写が、その過酷さにおいて瞬きすることなく、対立的な規模で複製された場合、ここでは、その苦い味が装飾に溶け込んでいます。「(Forever Free) Veni Vidi」(2002) の輝く黒曜石の胸像は、豪華に整えられたバロック様式のインテリアの中に鎮座しており、人種差別が現代生活の背景に溶け込んでいる様子を認識しています。

これらは文脈的に複雑な絵画であり、（ジェンダー、人種、セクシュアリティの）パフォーマンスとアイデンティティの演劇性に関するアイデアを組み込んでいます。ブラックフェイスの風刺画は今もキャンバスに残っているが、小麦粉のストリートアートのように平らにされ、バーレスクダンサーやミストレスに貼り付けられている。人物はしばしば中途半端に形作られている - 四肢や胴体の一部を欠いた白い体に黒い顔が接ぎ木され、ギンプのマスクやカウリーの殻がちりばめられたアフリカ製のマスクで隠され、サーカスや仮面舞踏会でパフォーマンスを披露する - 歴史的参照のめまぐるしい連鎖が、悪夢を明らかにする私たちの贅沢への飽くなき欲求。比喩は複雑になる可能性があるが、チャールズのアメリカ人種差別とエンターテイメントという関係は揺るがず、痛みと快楽に等しく依存するサドマゾヒスティックな関係である。マックス・レイキン

アッパーイーストサイド

4 月 29 日まで。メレディスローゼンギャラリー、11 East 80th Street、マンハッタン。 212-655-9791、meredithrosengallery.com

今日のテクノロジーの中に閉じ込められているように感じませんか?

あなたのテクノロジーのように、プレッツェルにひねったことがありますか？

アプリのように、乗りたくない乗り物に縛り付けられていませんか？

次に、ベルリンを拠点とするスウェーデンのアーティスト、アンナウッデンベルグの彫刻を見てみましょう。自分の気持ちを完璧に要約してください。

ローゼンでの彼女のショー「Continental Breakfast」に登場するウッデンバーグの 3 つの印象的なオブジェクトは、工業用プロトタイプと同様に完璧に作られており、飛行機のファーストクラスの座席、ジムの胸筋マシン、婦人科医の診察台を横切っているように見えます。実際にそこに登ると、病気が治るのと同じくらい、身体に害を及ぼす可能性が高いようです。

しかし、たとえこれらの彫刻が私たちに機械や身体について考えるように促したとしても、つまり筋肉や骨の相互作用をほとんど感じさせたとしても、それらはまた、AIが私たちに脳との融合を求めるときに私たちの脳が直面していることの強力な比喩としても機能します。今後数か月、数年にわたって、本物の人間の知性は、ウッデンベルグの地獄の機械の中で私たちの手足ができるのと同じくらい、人工の知性でプレッツェル化されるでしょう。ブレイク・ゴプニク

アッパーイーストサイド

6 月 24 日まで。ガゴシアン、821 Park Avenue、マンハッタン。 212-796-1228、Gagosian.com

クリス・バーデンほど教科書で有名でありながら、滅多に目にする機会のない作品を持ったアーティストはそう多くありません。彼がフォルクスワーゲン・ビートルに釘付けになったり、.22弾で腕を撃たれた1970年代のパフォーマンスが再現されることは期待できない。彼は2015年に亡くなりましたが、生きていたときでさえ、それらは一度限りのものでした。しかし、この珍しいバーデンショーでは、1970 年代のアンジェレノの過激な作品の他の例が紹介されています。彼らはアートの境界を変え、今では安全に「芸術的」でギャラリーに値するものに見えます。

このショーには、バーデンの用語で言うところの彼のパフォーマンスを表すための「遺物」のいくつかが集められています。空のショーケースは、彼が3日間欠品に費やした作品「消失」を表しています。電話とカセットレコーダーは、バーデンが美術商との通話を録音した「盗聴」を表している。

バーデンの銃撃シーンや、彼が22日間ギャラリーに横たわっていた有名なパフォーマンス「ベッド・ピース」の映像もある。

さらに驚くべきは、バーデンが必要な広告スペースを購入した後、テレビ放送にアートを浸透させた1分間の「テレビコマーシャル」だ。そのうちの 1 つである「完全な財務情報開示」は、アンディウォーホルのビジネスアートのジャンルにあり、バーデンの 1976 年の収入と支出、そしてわずかな利益の数字を明らかにしています。「クリス・バーデンプロモ」では、「レオナルド・ダ・ヴィンチ」、「ミケランジェロ」、「レンブラント」、「フィンセント・ファン・ゴッホ」、「パブロ・ピカソ」、そして…「クリス・バーデン」と、世界的に有名なアーティストの名前が次々とテレビを埋め尽くします。。」この最後の名前は、かつては冗談か、あるいは途方もない希望的観測のように思えたかもしれませんが、今では他の名前と仲良く暮らしています。ブレイク・ゴプニク

チェルシー

4 月 22 日まで。カスミン、509 West 27th Street、マンハッタン。 212-563-4474; カスミンギャラリー.com。

1950 年代後半のジェーン・フライリヒャーの絵画は技術的には抽象画ですが、第 2 世代の抽象表現主義の仲間の絵画と同様、表現的な軽妙さで語りかけ、彼女の淡い塗り絵は、彼女が過ごしたロングアイランドのサウサンプトンの広々とした風景に溶け込んでいます。夏。それらは、彼女が以前に作っていた親密な家庭の風景の伝統的な構図（切り花や静物画）からの逸脱というよりは、乗り継ぎであり、最終的にはそれらに戻ってくるものである。

おそらく、ポロックの亡霊がいるイーストエンドがフライリヒャーの筆を緩めたのだろう。ここで展示されている 1958 年から 1962 年にかけて制作された無数のブラシ状の油絵には、形と対象の間に刺激的な緊張感があります。おそらくそれは、これらの作品が屋外で制作されたのではなく、フライリヒャーがグリニッジヴィレッジのスタジオに戻った後に制作され、そのように描写されているためかもしれません。サウスショアの湿地帯の潮風やまだら模様の低木地帯ではなく、それらの発明品であり、その記憶は波しぶきのように湧き出ています。

フライリヒャーの流行遅れの主題に対する献身は釘付けになります。彼女は窓からの気だるい景色に飽きることはなかった。彼女の言葉を借りれば、「素朴な環境の中にある贅沢な美しさ」だ。 1958 年頃の「無題 (メコックスベイアンドフィールド)」は、砂丘を思わせるクリーミーな地面に緩く適用されたストロークで、爆発したボナールのようで、水面から屈折したかのように金と緑の斑点でイーストエンドの周囲の光を叙情的に表現しています。これらは感傷的なものではなく、敬意の念を表しています。それらは前景と背景の間の空間を平らにし、絵画的な奥行きの欠如が、目に見える世界とは別個に結びついている浮遊世界のような、無重力の性質に貢献します。マックス・レイキン

チャイナタウン

4 月 23 日まで。ドラキュラの復讐、23 Pell Street、2 階、マンハッタン。ドラキュラスリベンジ.net。

「ドラキュラの復讐」におけるシドニー・オニールの 5 つの作品は、代数関数と個人的な詩の隠語を解析しています。そのエネルギーは、この 2 つの間を行き来することから生まれています。すべて 2023 年のもので、インスタレーションやプリントには「U+220E 0」や「Mo osit」などのタイトルが付いています。油を塗った細長い鋼鉄の彫刻の名前、「ハッシュテーブル 4 テンソルのような私たち」は、コンピューティングの語彙をもじって呼び起こしています。「ハッシュテーブル」は、大規模なデータセットを格納するための迅速な検索方法ですが、この彫刻はテーブルでもあります。、家具と同じように。カミソリの刃のような脚とペイズリー柄の膨らんだトップは、本店の美学、つまりハシシの「ハッシュ」を暗示しています。

抽象的な数学の言語がショーの根底にあります。その形状は華麗な方程式で説明できるようです。テーブルトップの到達するフラクタル形状と、傾斜した広葉樹で縁取られた 2 枚の脚の長いグレーの版画は、ベクトルに引っ張られ、点で固定されているような感覚を持っています。いわゆる抽象芸術は芸術家の頭から生まれますが、抽象数学 (たとえば、デカルト格子) は観察された世界から生まれます。それらはここで一種のワイルドな哲学の中で出会い、そこでは身体と記憶には力の線があり、マトリックス内の適切な場所が存在します。「Generating fn」は、ギャラリーの汚れた灰色のカーペットに大まかにスライスされた 2 つの展開する穴で、建築環境の不純物、汚れなどに 2 つの数学的に純粋な形状を適用します。世界の不完全性は代数の抽象化を否定する一方で、床は完全な平面の約束の一部も引き受けます。トラヴィス・ディール

チェルシー

4 月 22 日まで。Nicola Vassell Gallery、138 10th Avenue、マンハッタン。 212-463-5160、nicolavassell.com。

ニコラ・ヴァッセルで開催されたショー「Bathers」のチェ・ラブレスのフィギュアに、その前、後、最中、ずっと前、いつ何が起こっているのかを判断するのは困難です。ここでボード上にアクリルで描かれた額装された絵画のすべてが物語を示唆しているわけではありませんが、「Shallow Pools」（2022）など、物語を示唆しているものが多くあるため、その中で時間的な進行を確認したいと考えています。絵の下部の前景で抱き合っている二人の女性は、おそらくその日の別の時間、あるいは想像上の未来において、構図の遠ざかる距離で別々に見られた同じ女性なのでしょうか？このフェイの叙情性に加えて、ラブレスの形式的な選択は、各シーンを完全に整列していない 4 つの等しい正方形に分割する準キュビズムを含むものです。非常に明るい色合いは、プリズムウォッシュを通してほとんど派手な音を立てます。直線的な時間が止まり、そしてぼんやりとよろめきます。

トリニダードに生まれ拠点を置くラブレスは、カリブ海の海に住む人々を描いていますが、それ以上に、彼らは屈んだり伸びたり、しゃがんだり座ったり、腕を腰に当ててポーズをとったり、頭の上に投げ出されたりしながら、もう一方の腕でだるい胴体を支えています。三日月のように弧を描いています。水は変容をもたらす詩的な媒体であり、ラブレスの注意深い視線を通して、彼の仲間のトリニダード人たちの平凡な日常が叙情的に変化します。私たちが受け継いできた古典的な神話でさえも、変容させることができます。「The Gun」（2022）では、プールをじっと見つめる人物がいますが、このシーンはナルキッソスが自分自身に恋をするバージョンではありません。むしろ、それは、その深みの中に、救い出されて新しく作られるかもしれない、過ぎ去った時代遅れのものを探す行為なのです。セフ・ロドニー

トライベッカ

4 月 22 日まで。PPOW ギャラリー、392 ブロードウェイ、マンハッタン。 212-647-1044、ppowgallery.com。

シェリーン・ロドリゲスのPPOWでの素晴らしいデビュー展は、率直な政治的アートであり、優しい個人的なディテールによって温められています。アーティストは 1977 年にブロンクスで生まれました。彼女が黒い紙に写真のように正確な色鉛筆で描く中で焦点を当てているのは、この地形です。そして、広大な地形、世界的な人口、豊かな文化の歴史。

ロドリゲスはそれを、総称して「BX Third World Liberation Mixtape」と題された 3 つの大きな言葉と画像の作品で大まかに図示しています。文体的には、ブロンクスを拠点とするチラシアーティスト、バディエスクァイアがデザインした 1980 年代初頭のヒップホップイベントのチラシをモデルとしています。構成的には、歌詞、ラップグループ名、魔法の数字、アラビア語、中国語、英語、バングラ語、スペイン語、トゥイ語で綴られた地名など、数字と言葉がアクション満載で絡み合っています。

それぞれの「ミックステープ」は、大きなポートレートを収集するための結節点として機能します。ボデガの所有者、理髪店、遊び場の子供たちなど、ロドリゲスの近所の人もいます。活動家の友人や指導者である奴隷制度廃止論者のルース・ウィルソン・ギルモア氏もいる。クィア理論家のジャスビル・K・プアール。元ギャングの家長で、現在はコミュニティのリーダーであるロリーヌ・パディラ。バロック時代の聖人絵画と同様に、それぞれの聖人は象徴的な属性を持って描かれています。ギルモアとプアルは本を持っています。コンパクトなサンテリア祭壇を備えたパディラ。

芸術と人生が絵画の中で出会うのと同じように、ギャラリーでも同様です。本物の祭壇がパディラの肖像画の近くの床に置かれています。そして、ロドリゲスはその空間を学習センター、革命文学を置いたテーブルとメモを取るためのペンと紙を備えた読書室に変えた。椅子を引き上げます。あなたは素晴らしい仲間です。ホーランドコッター

チェルシー

4 月 22 日まで。Paula Cooper Gallery、534 West 21st Street、マンハッタン、212-255-1105。ポーラクーパーギャラリー.com。

泡は、完全な球の幾何学形状と、浮遊、破裂、結合、互いに押し付ける混沌とした動作を組み合わせています。タウバ・アウアーバッハは、それぞれ「泡」と題された12点の絵画（すべて2023年）の中で、泡の塊が彼らのクールでエレガントな芸術にふさわしい主題であることに気づきました。「Free Will」と題されたこの展覧会は、ニューヨークを拠点とするこのアーティストにとって、2022年のサンフランシスコ近代美術館調査展の成功以来、初めての地元ギャラリーでの展覧会となる。絵画は顕微鏡を通して撮影された泡立ちの画像を再現しており、ここでは点描のような点の蓄積を使用して描かれています。近くで見ると、色とりどりのピンでマークされた地形図や、爬虫類の皮膚にさえ似ています。

4 つの低い金属テーブル上の絵画の横に、6 つのビーズのガラス彫刻が展示されています。これらもすべて「Org」というタイトルを共有しています（2023 年と 1 つは 2022 年）。すりガラスの窓を通して通りから光が差し込むギャラリーの正面には、垂直のアルミニウム製アーマチュアに取り付けられた窯焼きガラスの 7 つの半円弧があり、これもすべて「Spontaneous Race」（2023 年）というタイトルです。これらの半透明の半月には、色付きの粉末ガラスが特徴で、加熱すると溶けたレース編みのように繊細な模様が浮かび上がります。卓上のビーズの彫刻は、ミニマリストのジュエリーだけでなく、複雑な分子の教育モデルも示唆しています。ここにあるアウエルバッハの作品はどれも、混沌に陥る前の瞬間の秩序を捉えているか、あるいはその逆を捉えているかのように見えます。一見、ほとんど冷酷に科学的な作品に見えるかもしれないが、かろうじて秩序を優雅に維持しようとする闘いほど人間的なものがあるだろうか。ジョン・ビンクラー

チャイナタウン

4 月 15 日まで。Anonymous Gallery、136 Baxter Street、マンハッタン。 646-478-7112、anonymousgallery.com。

「それでは写真？」このグループ展のタイトルは、最先端の技術を総括しようとする美術館の展覧会（「Photography Now」）を毎年行っていることを念頭に置いています。ここの6人のアーティストは、この媒体における広範な文化的流暢性を利用して、アメリカの男らしさを、困難で、硬直的で、重厚に構築されたものとしてさまざまに枠組み化しています。アリッサ・カゼウが描いた5人の筋肉質で上半身裸の若い男性の肖像画は、フォトショップで加工されているように見える。たとえ苦労して腹筋を鍛えたとしても、彼らの体は奇妙に張り詰めていて、笑った顔とは乖離している。

このショーでは、写真が操作されて操作されています。「Saying Goodbye」の写真では、ジェシー・ゴウベイアが空港で涙ながらに抱擁を交わし、息子がこれが最後であるかのように父親を抱きしめた。その瞬間のソフトフォーカスの奇妙さが落ち着くにつれて、彼らの服に付いたチェリーレッドのタグが突き抜け、これはSupreme x Levi'sか空港の広告かもしれないという不気味な感覚が浮かび上がります。バック・エリスンは「クリスマスカード #2」に上流階級のシニフィアンを詰め込んだ。残りの半分がどのように暮らしているかについて、チェッサ・サブビオンドは、懐中電灯に照らされた夜のビッグ5スポーツ用品の前で、カットオフジーンズショートパンツのヴィーナスのようなポーズをとるインスタグラムのスター、そして彼女の後ろにはぎこちなく畏怖の念を抱く少年を紹介している。飲み物をこぼしてしまう。これが写真が作り出す望ましい世界です。

ショーに出演するアーティスト全員が写真家であるとは限りません。誰もが、そして母親がポケットに 1,200 万画素のデジタルカメラを入れているとき、写真は職業ではなく選択です。「じゃあ、写真を」と。トラヴィス・ディール

アッパーイーストサイド

4 月 15 日まで。メレディスローゼンギャラリー、11 East 78th Street、マンハッタン。 212-655-9791、meredithrosengallery.com。

画家のルドルフ・メーグリン（1892-1971）は、スイスのバーゼルで上中流階級で育ち、高校卒業後は医学を学びました。しかし、彼は医師として働いたのは 1 年だけでしたが、その後、完全に決別し、アーティストになることを決意しました。メーグリンはその後 8 年間ヨーロッパ中を旅し、芸術を学びました。その後バーゼルに戻り、化学工場や建築現場で働きました。それらの場所とそこで働く人々が彼の主題となりました。

メーグリンは孤独に仕事をしたわけではありません。 1933 年、彼は反ファシストグループ 33 の設立に協力し、公に展示しました。しかし、彼の芸術はスイス以外ではあまり見られていません。今回の展覧会は米国では初の開催となる。

ショーは完全にポートレートで構成されており、さまざまな効果があります。一方で、これらの描かれた人々がメーグリンの建築シーン、つまり都市をレンダリングする彼のプロジェクトにどのように関係しているかというより大きな文脈が欠けています。一方で、肖像画（船上に描かれた小さくてカラフルな油絵）だけを見ると、それらがいかに魅力的で現代的であるかが強調されます。ほとんどすべてが平面的な正面の全身像を描いており、そのほとんどすべてが男性です。メーグリンは同性愛者であり、被験者のすぼめた唇や曲がった腰には同性愛のヒント以上のものがあります。特に「Controllore」（1960年）や「Junge」（1961年）のような絵画では、パフォーマンスとしてのジェンダーの感覚を感じました。それは必ずしもシッターの側ではなく、メーグリンの側にありました。これらは労働者階級のロマンチックな描写や人々の忠実な肖像ではなく、むしろその中間に位置する親密な人物描写です。ジリアン・スタインハウアー

この記事の以前のバージョンでは、ルドルフメーグリンのショーの場所が誤って特定されていました。 80th Streetではなく、11 East 78th StreetにあるMeredith Rosen Galleryにあります。

修正の処理方法

ホランド・コッターはタイムズの共同主任美術評論家です。彼は古いものから新しいものまで幅広い芸術について執筆しており、アフリカや中国にも長期旅行をしています。 2009年には批評部門でピューリッツァー賞を受賞した。

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